El término “fauve” ( fiera) lo empleó en 1905 Luis Vauxcelles, crítico de arte, empleando la
palabra “fauvismo” tras contemplar en el Salón de 1905 un cuadro titulado “La cageaux fauves”
(La jaula de las fieras), llamando “fauvistas” de forma peyorativas a los artistas que se excedían
en el uso del color.
Los artistas fauvistas ignoran la naturaleza o la tratan de forma arbitraria, deseando “recrear”,
no representar, rompiendo totalmente con los gustos de la época; entienden la pintura como
vehículo de su propia interioridad; evitan sensaciones de profundidad, resaltan los volúmenes
con pinceladas fuertes, ricas en pasta, que dan al cuadro una textura rugosa, muchas veces
brillante, manifiestan un desinterés por la perspectiva.
Dan una excesiva violencia expresiva del color (colores estridentes). Utilizan el color con
absoluta libertad: rostros verdes, cielos amarillos, mares rojos… Carecen de un programa
artístico definido. No quieren concepciones teóricas ni formar escuela.
¿Qué pretendían los pintores fauvistas?
Expresarse a través de los colores y despertar con ellos los sentidos.
5.2.2. Cubismo. Georges Braque, Pablo Picasso
El cubismo ha supuesto la revolución más profunda experimentada por la pintura del siglo
XX. Anunciado por Cézanne (“todo en la naturaleza puede reducirse a cubos, cilindros,
esferas”). Aparece en París en 1908 cuando Braque expone algunas de sus pinturas. Un
comentario de Matisse acusando a esta pintura de reducirlo todo a cubos, dio origen a la
denominación “cubismo”.
El cubismo debe su nombre al crítico Luis Vauxcelles, mencionado anteriormente, que en 1908
dijo que los cuadros de Braque estaban compuestos de pequeños “cubos”.
Principios cubistas: los pintores cubistas se replantean el problema de la representación del
volumen en una superficie plana.
El cubismo rompe con el concepto tradicional del espacio, intentando representar las cosas tal
y como son y no como las vemos. Hay que analizar el objeto y descomponerlo (traducirlo) a
sus formas elementales y simples. Anteriormente se concebía el cuadro como una ventana a la
que el espectador se asomaba, ahora hay una nueva manera de concebir el cuadro.
La pintura tiene valor por sí misma, independientemente de la representación objetiva de las
cosas.
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Intentemos ver los aspectos tratados anteriormente en un ejemplo concreto: Las señoritas de
Avignon de Pablo Picasso. La figura sentada de la derecha está de espalda y sin embargo, su
cabeza está de frente, por lo que le vemos la cara. En realidad, cualquier figura humana tiene
al mismo tiempo cara y espalda, esa es su estructura real, aunque no podamos ver las dos
cosas al mismo tiempo.
A la izquierda, la composición está formada por una sucesión de figuras rectas; a la derecha se
deshace, y las caras de las dos mujeres se transforman en máscaras absurdas, en fetiches.
Las figuras centrales tienen los ojos en posición frontal, y la nariz de perfil.
Las figuras se sitúan en un marco irreal: no hay luces ni sombras, la diversidad de planos, y
los fondos geometrizados de color ocre, blanco y azul no sugieren la idea de la tercera
dimensión. El uso del color es también totalmente libre. En la figura sentada se rompen todos
los cánones de la perspectiva lineal y tridimensional, pues la cara y la espalda son visibles al
mismo tiempo.
Es una ruptura de la perspectiva que había condicionado el arte a partir del Renacimiento.
¿Qué pretendían los pintores cubistas?
Superar esta limitación de la representación del volumen en una figura plana, no
sólo quieren reflejar la apariencia de las cosas, sino su realidad. Para ello en la
representación tiene que deformarse superponiendo planos. Da la sensación de
estar pintando a la vez desde diferentes puntos de vista.
En la evolución del cubismo se distinguen dos tendencias:
Cubismo analítico: analiza la estructura de los modelos que representa,
descomponiéndola en diferentes planos;
Cubismo sintético: parte de elementos abstractos que se van uniendo hasta
configurar la forma básica de un objeto que, aunque deformado, puede ser
reconocido.
Buscar en recursos convencionales y de internet imágenes de:
Pinturas de Pablo Picasso y de Georges Braque .
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5.3. Movimientos pictóricos (Época de entreguerras)
5.3.1. Expresionismo. EdvarMucnh, James Ensor, Oscar Kokoschka, Paul Klee, Emil Nolde
El expresionismo concede gran importancia a la expresión subjetiva del artista, perdiendo
importancia la forma y el color, considerados meros recursos plásticos para transmitir el mundo
interior del artista, sus sentimientos.
¿Qué pretendían los pintores expresionistas?
Captar y reproducir los sentimientos subjetivos, las necesidades interiores. Ello
responde a la actitud de rebeldía que mantienen ante la vida y a su deseo de
cambiar una sociedad con la que no están de acuerdo.
Los artistas expresionistas tienen preferencia por los temas de contenido crítico, deformando
conscientemente los objetos, desterrando los conceptos de orden y equilibrio, resaltando un
estado de ánimo que suele ser de angustia y dolor. Buscan conseguir la expresión de una idea
a costa de la belleza.
Buscar en recursos convencionales y de internet imágenes de:
Pinturas de Emil Nolde y de Oscar Kokoschka
5.3.2. Dadaísmo. Marcel Duchamp, Hans Arp, Francis Picabia
El dadaísmo es un movimiento pictórico y también literario. Pretendieron crear un “antiarte” en
el que los elementos determinantes fueran lo casual, lo inesperado, la improvisación y lo
irracional. El resultado sería lo que deparara el azar.
El dadaísmo debe su nombre al azar. Un grupo de pintores refugiados en Zurich huyendo de la
Guerra del 14, buscando un nombre para sus ideas de destrucción de la pintura, abrieron un
diccionario y apareció la palabra “dada”, onomatopeya infantil que reproduce los primeros
balbuceos de un niño.
¿Qué pretendían los artistas dadaístas?
Construir su arte como un ataque abierto contra todo lo que suponga arte,
resaltando lo absurdo y la desacralización del arte.
Buscar en recursos convencionales y de internet imágenes de:
Pinturas de Francis Picabia y de Hans Arp.
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5.3.3. Surrealismo. Joan Miró, Salvador Dalí
El surrealismo fue en sus orígenes fue un movimiento literario. El subconsciente del artista
entró a formar parte como un componente de la composición artística.
¿Qué pretendían los pintores surrealistas?
Intentar plasmar el mundo de la imaginación y de los sueños, influidos por el
psicoanálisis. Consideraban que en la sociedad actual el hombre sólo deja
aflorar el lado lógico, ahogando el inconsciente, produciéndose un desequilibrio
que era preciso evitar.
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Pinturas de Joan Miró y de Salvador Dalí.
5.3.4. Abstracción. Vasili Kandinsky.
La abstracción parte de una innovación radical: la eliminación en el cuadro de las referencias a
la realidad figurativa. Hasta este momento, todos los movimientos artísticos habían sido
figurativos, aunque no representaran fielmente la realidad.
Fíjate en que el cubismo, que parte de la descomposición del objeto en formas geométricas,
era arte figurativo, ya que partía de arte real.
¿Qué pretendían los pintores abstractos?
Desligar cada vez más la pintura de la función ilustrativa que había tenido
durante siglos, representando formas que no imitan a la naturaleza.
La abstracción prescinde de las figuras y los objetos como temas de sus obras. Hay que
entender bien una idea: Los pintores abstractos centran su trabajo en el manejo del color y de
las formas, sus cuadros adquieren esencia por sí mismos, dejando de constituir una
representación de la realidad, buscan efectos decorativos, sugestivos, atrayentes….
Kandinsky, iniciador de la pintura abstracta, escribió un tratado fundamental: Lo espiritual en el
arte, en el que exponía su idea básica: liberar la pintura de todo impulso emotivo y convertirla
en una expresión completamente racional y objetiva.
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